En 2015, el cantante de Jarabe de Palo, Pau Donés, es diagnosticado de cáncer. Durante cinco años, el artista convive con esta terrible enfermedad y, veinte días antes de morir, decide llamar a Jordi Évole desde el hospital para grabar este documental. De esta forma, el resultado de esta charla entre dos amigos fue la última entrevista del cantante, quien no quiso irse sin dejar su testimonio y agradecimiento por todo lo que había recibido.
El periodista Jordi Évole, junto a Ramón Lara, dirige este filme.
CRÍTICA
Vida, vida y vida. Si hay una palabra que mejor resuma y defina a esta -última- charla que comparten el que fuera vocalista de Jarabe de Palo y el célebre periodista catalán es esa: vida. El torrente de emociones y sensaciones que transmite al espectador esta maravilla audiovisual es plausible desde el primer momento en el que se aprecia el delicado estado de salud de Pau Donés. Sobrecoge el aspecto tan escuálido en el que se halla, visiblemente más deteriorado incluso que el que ofreció en su último videoclip ‘Eso que tú me das’, canción con la que también decidieron bautizar a esta entrevista.
Una imagen que no se corresponde en absoluto con la vitalidad y energía que derrocha en cada momento del encuentro con Évole, totalmente locuaz y parlanchín a pesar del hilillo rasgado de voz que emite sin apenas dificultad. A todo esto se le une la sencillez y honestidad del formato y tipo de entrevista que Évole realiza a Donés, con un ritmo natural, humano y sentido propio de su sello particular, como ya hiciera en otras tantas entrevistas en programas como ‘Salvados’ -que lo forjó como periodista-, y recientemente con ‘Lo de Évole’. Un estilo periodístico en el que el entrevistado es el principal y único protagonista, la única estrella cuya historia es la que importa, la que hay que escuchar. Y, en el caso de Donés, más aún, lo cual se aprecia en las escasas interrupciones del periodista de Cornellà. Todo ello con una sencillez -tan solo se vale de dos planos en toda la entrevista: la de Donés y la de Évole- brillante.
Cabe resaltar que fue precisamente Donés quien se puso en contacto con Évole para que realizara la entrevista, como reconoce al principio de la conversación, para «dar testimonio» una vez que ya no estuviera, un hecho que apenas se da en el mundo del periodismo -a no ser que haya una persona o fuente interesada en sacar a la luz ciertos hechos-. En el caso que nos atañe, el resultado es muy gratificante, porque a pesar de que el espectador sabe perfectamente el delicado estado de salud por el que atraviesa Donés en ese momento por el avance de la enfermedad, los silencios pesados que a veces hacen acto de presencia, y el asunto del cáncer y la inevitable muerte del cantante sobrevolando la mayor parte del encuentro, la felicidad, optimismo y positividad que desprende y transmite Donés en todo momento dinamita todos esos males y toda esa negatividad que se pudiera extraer teniendo en cuenta el destino del cantante, el cual falleció dos semanas después de grabar la entrevista.
Sin embargo, y tal y como él quería, la impresión que uno tiene una vez que la pantalla se va negro es completamente grata, muy grata. Con un chute de energía, luz y amor que solo él sabe transmitir.
Sin duda alguna, la vacuna más necesaria y efectiva en un mundo cada vez más polarizado y cegado por el odio.
Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Moustapha Oumarou, Álvaro Cervantes, Miquel Fernández, Zayiddiya Dissou, Jesús Carroza, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Jose María Chumo, Candela Cruz, Rubén Miralles, Emilio Buale
Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo / Netflix
Género: Drama. Inmigración. África
SINOPSIS
En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
CRÍTICA
«¿Sabes qué me dijo un día mi abuelo, que era muy rojo?, que si Francia hubiera colocado una valla al igual que la de Melilla para contener y frenar el exilio republicano tras la Guerra Civil, Franco no hubiera muerto en la cama». «Nosotros con esa valla no les queremos decir que no son bienvenidos, sino que ellos mismos deben arreglar sus problemas en su país».
No hace falta decir más. Estas dos frases-sobre todo la primera-, pronunciadas por un Guardia Civil en un fragmento de la película, bastan para resumir el ideario -no todo, claro está- de España y Europa respecto a los refugiados y el drama migratorio africano a la perfección. No es nuestro problema que lo paséis mal, que no tengáis libertades ni democracia, que viváis con miedo y en condiciones paupérrimas; arreglároslas vosotros mismos.
En una entrevista enmarcada en mitad del estreno de su última película, ‘Mientras dure la Guerra‘ –ganadora de 5 Premios Goya en la edición celebrada el pasado mes de enero-, el director Alejandro Amenábar evocó que el cine debe tener una función de pensamiento crítico, hacer reflexionar a los espectadores ante las situaciones que se exponen y retratan mediante las cámaras, más aún cuándo abordan temáticas crudas y espinosas como son el drama de los refugiados y la inmigración y las erráticas e injustas respuestas que desde Europa se lanza para solventar ambos problemas.
Desde luego, Amenábar lleva una gran parte de razón. La función cultural y crítica que transmite el cine es muy poderosa y el mensaje que contiene en muchas de sus películas, aparte de ser positivo en diversas ocasiones, busca remover conciencias. Por eso el cine es importante. Por eso el cine es cultura. Más allá de la diversión y el entretenimiento, está el aprendizaje, la empatía, la comprensión, el respeto y la tolerancia.
‘Adú‘ es exactamente eso. Una cinta que incita a la compresión de los espectadores ante un drama tan desolador, al igual que silenciado, como lo es la crudeza de la inmigración en España y el enfoque y la mentalidad con el que lo apreciamos como europeos, no solo como españoles. Una película dura, pero necesaria. Emotiva, e intensa al mismo tiempo. Triste, pero cierta.
Resulta tremendamente interesante, a la vez que significativo, que documentales como ‘Nuestra vida como niños refugiados en Europa‘ (Silvia Venegas, 2019) o películas como la francesa ‘Los Miserables‘ (Ladj Ly, 2020) fueran galardonados en los Premios Goya de este año con sendas estatuillas, ya que denota la importancia de la presencia y fuerza que está cobrando este género y estilo cinematográfico en el séptimo arte. Del interés y acogida que está teniendo poco a poco para la población como para las propias academias y empresas audiovisuales.
Y no es para menos, ya que, aunque el tema central de la película sea la dura travesía que dos hermanos africanos realizan huyendo de la pobreza y la crueldad permanente de su país, Camerún, hacia la próspera y rica Europa llena de oportunidades. Salvador Calvo (‘1898: Los últimos de Filipinas‘, 2016) también introduce asuntos de candente actualidad como la conciencia animalista y el respeto a la biodiversidad, representándolo en la caza furtiva de animales salvajes en África con una enorme crudeza y el endémico e irresoluble problema de la valla de Melilla.
Todo ello representando cada una de las partes en el conflicto exponiendo los relatos y hechos de cada una de las partes, como es el caso de la valla de Melilla. Tanto en el lado de la Guardia Civil, que lidia con el problema en la valla, como de los que arriesgan su propia vida en escapar del infierno que les atormenta por encontrar un futuro mejor. Si es cierto que Calvo gira ligeramente más la atención hacia el drama migratorio en un ejercicio de empatía, caridad y comprensión hacia esta parte de la historia.
Más allá de las tres ramas que componen la película, todas las historias y relatos que componen la cinta encierran un significado y mensaje común: la desilusión, el miedo, la crueldad, la sinrazón, la impotencia, la frustración, la indiferencia, el todo por el dinero, la incomprensión y la falta de empatía, la tenacidad, la soledad… y un sinfín de emociones y sentimientos que permean dichas narraciones. Historias que, en realidad, es una sola pero contada desde varios lugares y distintas perspectivas. Esto es así puesto que se las tramas se entrelanzan y, en diversas ocasiones, se cruzan y mezclan entre sí. Una apuesta valiente y correcta de Calvo.
A pesar de esto, Calvo también nos recuerda que pese al pesimismo que puedan inundar la mayoría de estas historias, podemos apreciar igualmente en ellas momentos de luz, alegría, júbilo y hasta reconciliación, aunque sean escasos, pero igual o más relevantes que el resto. Claroscuros que forman parte de sus historias y de las nuestras en algún momento.
‘Adú’ es también una película en la que Calvo emplea los contrastes como un instrumento de denuncia, injusticia y esperpento en varias ocasiones. Resalta las enormes brechas y diferencias que pueden existir en tan poco espacio transmitiéndole al espectador dos mundos completamente diferentes, algunos de ellos expuestos en una sola escena: la imagen de un avión destrozado y otro despegando desde un aeropuerto, el discurso antiinmigración y racista frente a las miles de historias de todos aquellos que arriesgan su vida por encontrar un futuro mejor, turistas acomodados en un avión frente a niños resguardados y escondidos en una pequeña cabina en la que se pliega la rueda de un avión cuándo está volando, el jolgorio en una fiesta en Marruecos frente a la violencia y las penurias en poblados y ciudades africanas con una pobreza lacerante…
Uno de los elementos más potentes de la película es, sin lugar a dudas, el pequeño Adú. Sin obviar el magnífico dúo actoral Tosar–Castillo, Moustapha Oumarou es la gran y principal estrella de la cinta. Por protagonismo, por su desgarradora historia y por su soberbia interpretación detrás de las pantallas. Esa candidez, ternura e inocencia que transmite el pequeño protagonista de 6 años conjuga de una manera colosal e innegable con su triste y desgarradora historia. Conservar esa luz y sonrisa en el rostro a pesar de las adversidades, a pesar de los miedos, y con una predisposición y firmeza envidiable. Seguramente, una buena manera de recordarnos a todos de que, al fin y al cabo Adú, y todos los niños africanos que hacen una tortuosa travesía hacia Europa, no son más que simples niños sin futuro y nada que perder, pero con una historia que contar.
Otro de los componentes fuertes y llamativos de la cinta es su fotografía, cuya calidad es potente y fuera de toda duda.El trabajo en este sentido de Sergi Vilanova se hace notar en todas y cada una de las imágenes de la película: los paisajes naturales africanos, las miradas de cada uno de los personajes, las ciudades y poblados africanos, las miradas vacías e inexpresivas del protagonista -Adú- y otros personajes, etc. Este elemento, unido a la genial banda sonora compuesta por el músico por excelencia del cine español, Roque Baños, forman una mezcla explosiva que funciona a la perfección y dota al largometraje de una calidad indudable. En este sentido, hay que tener en cuenta la suerte que tiene Calvo de haber contado en su equipo con buenos fotógrafos en sus dos últimas películas: Álex Catalán en ‘1898’, y Vilanova en ‘Adú’. Por otro lado, es preciso destacar el ritmoin crecendo de la película con una tensión palpable en varios retazos del largometraje capaz de sobrecoger emocionalmente al espectador.
Con títulos muy esperados esperados por todo el público como ‘Aves de Presa‘, ‘Bombshell‘, ‘Jojo Rabbit‘, ‘Bad Boys for life‘ o una de las triunfadoras anoche en la gala de los Óscars, ‘1917‘; y aún con la resaca y la vista puesta en la gala de los Premios de la Academia que tuvo lugar la pasada madrugada del 9-10 de febrero, resulta admirable y todo un éxito que ‘Adú’ haya conseguido captar la atención de muchos y reunir en poco más de una semana a 290.000 espectadores en multitud de salas de cine de toda España, cosechando por el momento la friolera cifra de 1.700.000 euros, situándose como la mejor apertura del cine español en lo que llevamos de año.
2020 no ha hecho nada más que empezar, y aún tendremos que ver muchos taquillazos y espectaculares películas, pero ‘Adú’ ya está haciendo muchos méritos para convertirse en una de las mejores películas españolas del año y optar a algún que otro premio.
Por el momento, ya se ha ganado el corazón de miles de espectadores.
Reparto: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Bill Camp, Shea Whigham, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge, Jolie Chan, Bryan Callen, Brian Tyree Henry, Mary Kate Malat, Glenn Fleshler, Marc Maron, Josh Pais, Leigh Gill, Adrienne Lovette, Sharon Washington, Mandela Bellamy, David Iacono, Matthias Sebastiun Garry, Mick O’Rourke, Evan Rosado
Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. / Village Roadshow / Bron Studios / Creative Wealth Media Finance / 22 & Indiana Pictures
Distribuidora: Warner Bros
Género: Drama. Thriller. Crimen. DC
Sinopsis
Arthur Fleck (Phoenix) vive en Gotham con su madre, y su única motivación en la vida es hacer reír a la gente. Actúa haciendo de payaso en pequeños trabajos, pero tiene problemas mentales que hacen que la gente le vea como un bicho raro. Su gran sueño es actuar como cómico delante del público, pero una serie de trágicos acontecimientos le hará ir incrementando su ira contra una sociedad que le ignora.
Premios
Mejor actor protagonista: Joaquin Phoenix
Mejor banda sonora (BSO): Hildur Gudnadóttir
ÉRASE UNA VEZ EN…HOLLYWOOD
Ficha técnica
Título Érase una vez en Hollywood (Once upon a time…in Hollywood)
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 165 minutos
Director: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Música: Varias canciones de los años 60´s y 70´s
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Margaret Qualley, Al Pacino, Kurt Russell, Bruce Dern, Timothy Olyphant, Dakota Fanning, Damian Lewis, Luke Perry, Lorenza Izzo, Michael Madsen, Zoe Bell, Clifton Collins Jr., Scoot McNairy, Damon Herriman, Nicholas Hammond, Keith Jefferson, Spencer Garrett, Mike Moh, Clu Gulager, Martin Kove
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Sony Pictures Entertainment (SPE) / Heyday Films / Visiona Romantica
Género: Thriller. Drama. Comedia. Años 60´s. Cine dentro del cine
Sinopsis
Hollywood, años 60. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (DiCaprio), intenta amoldarse a los cambios del medio al mismo tiempo que su doble (Pitt). La vida de Dalton está ligada completamente a Hollywood, y es vecino de la joven y prometedora actriz y modelo Sharon Tate (Robbie) que acaba de casarse con el prestigioso director Roman Polanski.
Premios
Mejor actor de reparto: Brad Pitt
Mejor diseño de producción: Barbara Ling
1917
Ficha técnica
Título: 1917
Año: 2019
País: Reino Unido
Duración: 119 minutos
Director: Sam Mendes
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns
Música: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Andrew Scott, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley, Pip Carter, Paul Tinto, Andy Apollo
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures
Distribuidora: Universal Pictures
Género: Bélico. Drama. Primera Guerra Mundial
Sinopsis
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
Premios
Mejor fotografía: Roger Deakins
Mejor mezcla de sonido: Mark Taylor y Stuart Wilson
Mejores efectos visuales
PARÁSITOS
Ficha técnica
Título: Parásitos (Gisaengchung)
Año: 2019
País: Corea del Sur
Duración: 132 minutos
Director: Bong Joon-ho
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Drama. Intriga. Comedia negra. Drama social. Familia
Sinopsis
Tanto Gi Taek (Song Kang-ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo-sik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Seon-gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.
Premios
Mejor Película
Mejor Guion Original
Mejor Director: Bong Joon-ho
Mejor Película de Habla No Inglesa
HISTORIA DE UN MATRIMONIO
Ficha técnica
Título: Historia de un matrimonio (Story Marriage)
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 136 minutos
Director: Noah Baumbach
Guion: Noah Baumbach
Música: Randy Newman
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Azhy Robertson, Alan Alda, Julie Hagerty, Merritt Wever, Mary Hollis Inboden, Amir Talai, Ray Liotta, Wallace Shawn, Emily Cass McDonnell, Matthew Maher, Ayden Mayeri, Kyle Bornheimer, Mark O’Brien, Gideon Glick, Brooke Bloom, Matthew Shear, George Todd McLachlan, Annie Hamilton, Juan Alfonso, Justin Claiborne, Mickey Sumner
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Netflix / Heyday Films
Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Drama romántico
Sinopsis
Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.
Premios
Mejor actriz secundaria: Laura Dern
JUDY
Ficha técnica
Título: Judy
Año: 2019
País: Reino Unido
Duración: 118 minutos
Director: Rupert Goold
Guion: Tom Edge
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Jessie Buckley, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox
Género: Drama. Biopic. Años 60´s. Música
Sinopsis
Durante el invierno de 1968, treinta años después del estreno de ‘El mago de Oz’, la leyenda Judy Garland llega a Londres para dar una serie de conciertos. Las entradas se agotan en cuestión de días a pesar de haber visto su voz y su fuerza mermadas. Mientras Judy se prepara para subir al escenario, regresan los fantasmas que la atormentaron durante su juventud en Hollywood. A sus 47 años, la cantante se enfrenta a las inseguridades que la acompañaron desde su debut, pero esta vez vislumbra una meta firme: regresar a casa con su familia para encontrar el equilibrio.
Premios
Mejor actriz principal: Renée Zellweger
MUJERCITAS
Ficha técnica
Título: Mujercitas (Little Women)
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 135 minutos
Directora: Greta Gerwing
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova, Jamie Ghazarian, Hadley Robinson, Ken Holmes, David Arthur Sousa, Jayne Houdyshell, Jen Nikolaisen, Domenic Arduino, Tom Kemp, Mikayla S. Campbell, Edward Fletcher, Lilly Englert, Rob Lévesque, Kayla Caulfield, Cassidy Neal
Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises
Distribuidora: Columbia Pictures
Género: Drama. Romance. Vida rural norteamericana. Siglo XIX
Grupos: Adaptaciones de la novela de Louise May Alcott
Sinopsis
Amy, Jo, Beth y Meg son cuatro hermanas en plena adolescencia, que viven con su madre en una Norteamérica que sufre lejanamente su Guerra Civil. Con sus variadas vocaciones artísticas y anhelos juveniles, descubrirán el amor y la importancia de los lazos familiares.
Premios
Mejor diseño de vestuario: Jacqueline Durran
JOJO RABBIT
Ficha técnica
Título: Jojo Rabbit
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 108 minutos
Director: Taika Waititi
Guion: Taika Waititi
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Reparto: Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates, Luke Brandon Field, Sam Haygarth, Stanislav Callas, Joe Weintraub, Brian Caspe, Gabriel Andrews, Billy Rayner, Christian Howlings, Gilby Griffin Davis, Hardy Griffin Davis, Curtis Matthew, Robert East
Productora: Coproducción Estados Unidos-Nueva Zelanda-República Checa; Defender Films / Piki Films / Czech Anglo Productions / TSG Entertainment
Distribuidora: Fox Searchlight
Género: Comedia. Drama. Sátira. Nazismo
Sinopsis
Jojo «Rabbit» Betzler (Roman Griffin Davis) es un solitario niño alemán perteneciente a las Juventudes Hitlerianas que ve su mundo puesto patas arriba cuando descubre que su joven madre Rosie (Scarlett Johansson) esconde en su ático a una niña judía (Thomasin McKenzie). Con la única ayuda de su mejor amigo imaginario, el mismísimo Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda
Premios
Mejor guion adaptado
LE MANS´66
Ficha técnica
Título: Le Mans´66 (Ford vs Ferrari)
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 152 minutos
Director: James Mangold
Guion: Jason Keller, James Mangold, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Phedon Papamichael
Reparto: Matt Damon, Christian Bale, Jon Bernthal, Caitriona Balfe, Noah Jupe, Josh Lucas, Tracy Letts, JJ Feild, Ray McKinnon, Rudolf Martin, Ward Horton, Bridie Latona, Lachlan Buchanan, Christopher Darga, Sean Carrigan, Ian Harding, Wallace Langham, Wyatt Nash, Jonathan LaPaglia, Stefania Spampinato, Jenelle McKee, Marisa Petroro, Benjamin Rigby, Brea Bee, Andrew Burlinson, Adam Stuart, Roberta Sparta, Remo Girone
Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia; Chernin Entertainment / 20th Century Fox
Género: Drama. Acción. Coches. Biográfico. Basada en hechos reales. Años 60´s
Sinopsis
Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966.
Premios
Mejor montaje de sonido: Donald Sylvester
Mejor montaje: Michael McCusker y Andrew Buckland
EL ESCÁNDALO
Ficha técnica
Título: El Escándalo (Bombshell)
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 108 minutos
Director: Jay Roach
Guion: Charles Randolph
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Charlize Theron, Margot Robbie, Nicole Kidman, John Lithgow, Allison Janney, Kate McKinnon, Malcolm McDowell, Mark Duplass, Alice Eve, Connie Britton, Alanna Ubach, Elisabeth Röhm, Madeline Zima, Brigette Lundy-Paine, Liv Hewson, London Fuller, Ashley Greene, Nazanin Boniadi, Stephen Root
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Lionsgate / Lighthouse Management & Media / Bron Studios
Género: Drama. Periodismo. Basada en hechos reales
Sinopsis
Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes.
Premios
Mejor maquillaje y peluquería: Kazu Hiro, Anne Morgan y Vivian Baker
ROCKETMAN
Ficha técnica
Título: Rocketman
Año: 2019
País: Reino Unido
Duración: 121 minutos
Director: Dexter Fletcher
Guion: Lee Hall
Música: Elton John, Matthew Margeson
Fotografía: George Richmond
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Stephen Graham, Matthew Illesley, Ophelia Lovibond, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon, Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios
Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Biopic. Música. Basada en hechos reales. Años 60´s y 70´s
Sinopsis
‘Rocketman’ es la historia de Elton John, desde sus años como niño prodigio del piano en la Royal Academy of Music hasta llegar a ser una superestrella de fama mundial gracias a su influyente y duradera asociación con su colaborador y letrista Bernie Taupin.
Premios
Mejor canción: (I´m gonna) Love me again
TOY STORY 4
Ficha técnica
Título: Toy Story 4
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 100 minutos
Director: Josh Cooley
Guion: Andrew Stanton, Stephany Folsom (Historia: John Lasseter, Andrew Stanton, Josh Cooley, Valerie LaPointe, Rashida Jones, Will McCormack, Martin Hynes, Stephany Folsom)
Música: Randy Newman
Fotografía: Jean-Claude Kalache
Reparto: Tom Hanks, Tim Allen, Keanu Reeves, Tony Hale, Annie Potts, Christina Hendricks, Keegan Michael-Key, Jordan Peele, Joan Cusack, Wallace Shawn, Bonnie Hunt, Kristen Schaal, Estelle Harris, John Ratzenberg, Ally Maki, Blake Clark, Jeff Garlin, Timothy Dalton
Productora: Pixar Animation Studios
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Comedia. Animación. Fantástico. Aventuras. Infantil. Cine familiar
Grupo: Saga ‘Toy Story’
Sinopsis
Woody siempre ha tenido claro cuál es su labor en el mundo y su prioridad: cuidar a su dueño, ya sea Andy o Bonnie. Pero cuando Bonnie añade a Forky, un nuevo juguete de fabricación propia, a su habitación, arranca una nueva aventura que servirá para que los viejos y nuevos amigos le enseñen a Woody lo grande que puede ser el mundo para un juguete.
Premios
Mejor película de animación
HAIR LOVE
Ficha técnica
Título: Hair Love
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 7 minutos
Director: Matthew A. Cherry
Guion: Matthew A. Cherry
Música: Paul Mounsey
Productora: Lion Forge Animation / Matthew A. Cherry Entertainment / Six Point Harness / Sony Pictures Animation
Género: Animación. Drama. Familia
Sinopsis
Un padre afroamericano trata de peinar a su hija por primera vez. La tarea no será fácil, pero cuentan con la ayuda de alguien especial para ellos.
Premios
Mejor cortometraje de animación
AMERICAN FACTORY
Ficha técnica
Título: American Factory
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 110 minutos
Directores: Steven Bognar, Julia Reichert
Música: Chad Cannon
Fotografía: Steven Bognar, Aubrey Keith, Jeff Reichert, Julia Reichert, Erick Stoll
Productora: Participant Media
Distribuidora: Netflix
Género: Documental. Trabajo/Empleo. Pobreza. Drama social
Sinopsis
En 2014, un multimillonario de procedencia china reabrió una antigua fábrica de General Motors en la ciudad de Dayton (Ohio). Para miles de locales, la llegada de un manufacturador multinacional implicaba recuperar sus trabajos -y su dignidad- después de que la recesión hiciese estragos en su día a día. Al principio, el contraste cultural es gracioso, pero los problemas entre el planteamiento chino y el norteamericano no tardan en florecer. La escasas medidas de seguridad en el trabajo, unidas a un salario muy bajo, siembran dudas en la mentalidad de los trabajadores. Por si esto fuera poco, la empresa amenaza a sus empleados con automatizar más el proceso de producción como respuesta a sus quejas, lo que conlleva la aparición de numerosos problemas a diario en la fábrica.
Premios
Mejor película documental
LEARNING TO SKATEBOARD IN A WARZONE (IF YOU’RE A GIRL)
Ficha técnica
Título: Learning to Skateboard in a Warzone (If you´re a Girl)
Año: 2019
País: Reino Unido
Duración: 39 minutos
Directora: Carol Dysinger
Música: Sasha Gordon
Fotografía: Lisa Rinzler
Género: Documental. Infancia. Drama social
Sinopsis
Narra la historia de una niña afgana que está empezando a aprender a leer y a escribir, y también a patinar en monopatín, en la ciudad de Kabul.
Premios
Mejor cortometraje documental
THE NEIGHBOUR´S WINDOW
Ficha técnica
Título: The Neighbour´s Window
Año: 2019
País: Estados Unidos
Duración: 20 minutos
Director: Marshall Curry
Guion: Marshall Curry
Fotografía: Wolfgang Held
Reparto: Juliana Canfield, Maria Dizzia, Peter Farrell, McGregory Frederique, Greg Keller, Bret Lada, Lorelei Smith
Productora: Marshall Curry Productions LLC
Género: Drama. Cortometraje
Sinopsis
Cuenta la historia de un matrimonio de mediana edad con hijos que se empiezan a cuestionar su vida tras observar a los dos veinteañeros de espíritu libre que se mudan enfrente de su casa.
Un cartero es enviado a una ciudad congelada en el norte, donde descubre que Papá Noel está escondido. A Jesper, el peor estudiante de la academia postal, le destinan a Smeerensburg, una gélida isla más allá del Círculo Polar Ártico, donde sus conflictivos habitantes apenas intercambian palabras y, mucho menos, cartas. Jesper está a punto de rendirse cuando encuentra una aliada, Alva, la profesora del pueblo. También descubre a Klaus, un misterioso carpintero que vive aislado en una cabaña repleta de juguetes hechos a mano. Estas improbables amistades traerán la alegría de nuevo a Smeerensburg, y crearán un nuevo legado de vecinos generosos, leyendas mágicas y calcetines colgados con cariño en las chimeneas.
CRÍTICA
‘Frozen 2’, ‘Toy Story 4’…no hace falta nombrar más cintas para alargar la lista. Con tan solo mencionar esos dos mastodontes de la animación norteamericana resulta inimaginable que una producción española de animación de escaso presupuesto y titánico esfuerzo para llevarla a cabo se cuele entre estas dos millonarias producciones de éxito asegurado en taquilla para optar a premios de cine por Mejor película de animación.
Ubicado en este contexto, ‘Klaus’, la cinta española dirigida por Sergio Pablos, creador de la saga ‘Gru: mi villano favorito’, y producida por Netflix ha arrasado con todos estos esquemas y presagios al coronarse el pasado lunes 3 de febrero con el premio BAFTA a Mejor película de animación llevándose por delante a los dos dinosaurios por los que apostó Disney en 2019 para atrapar al público infantil, dominar la taquilla y arrasar en los distintos premios. No lejos de este gran triunfo, la nueva aventura animada que narra el origen de Santa Claus se coronó en los Annie -considerados los Óscars en el ámbito del cine infantil y familiar- con la envidiable cifra de 7 premios incluyendo Mejor película y mejor dirección.
Sin duda alguna, se trata de una sublime antesala antes de lo que pueda ocurrir en la tan esperada gala de los Premios Óscars que se celebrarán este domingo 9 de febrero, en la que está nominada a ‘Mejor largometraje de animación’ y en la que también está ‘Dolor y Gloria’, la nueva película de Pedro Almodóvar -que logró 7 Premios Goya en la edición celebrada el pasado mes de enero- como ‘Mejor película extranjera’, y Antonio Banderas como ‘Mejor actor’ por esta cinta. Un equipo de ensueño para que España siga deslumbrando al mundo entero expandiendo su maravilloso cine por la alfombra roja de la gala más laureada del séptimo arte.
Dejando a un lado los premios y nominaciones y centrándonos en lo que es la película en sí, resulta verdaderamente admirable y a la vez un orgullo la estupenda, y a la vez sencilla, historia que Pablos ha confeccionado para el público infantil. Cada trazado de los dibujos, cada línea, ese genial y muy laborioso juego y empleo de toda clase de colores que sirven para narrar la historia…todo en general.
Si bien es cierto que la trama de la película es sencilla, Pablos introduce detalles ingeniosos y novedosos para, en cierto modo, reinventar el clásico navideño del simpático y entrañable abuelete regalasonrisas y buscar nuevos prismas desde los que ofrecer al espectador una narrativa fresca, original y que conserve elementos clásicos del fenómeno navideño. Así pues, funciona muy bien la imagen de un Santa Claus desconocido, de acción, frío, rudo y un poco apagado que, a medida que va avanzando el relato, el mito por el que lo conocemos hoy en día se va construyendo a cada escena de una forma paulatina y correcta.
Por resaltar algún inconveniente de este film destacan algunos momentos innecesarios de introducir chistes y chascarrillos forzados carentes de gracia en varias escenas. A excepción del buen funcionamiento y encaje en ciertos momentos del slag (golpe) humorístico: caídas, tropiezos, golpes fatídicos… Todo ello con un ritmo rápido y constante que acompaña la narración y centra la atención de los más pequeños en la pantalla con escenas divertidas.
A todo esto hay que sumar el mensaje educativo y positivo, enmarcado en un ambiente navideño, que transmite al público, sobre todo a los niños: sueños, tolerancia, respeto, empatía, compañerismo, compresión, la importancia y el valor de la educación y la enseñanza como motor de cambio en la sociedad o la absurdez y peligro del odio .
Más allá de lo que ocurra este domingo, ‘Klaus’ ya ha hecho historia no solo en la animación, también en la historia del todo el cine español al alcanzar con éste una nueva dimensión. Un hito impredecible a la vez que encomiable.
Lejos queda aquel monstruoso y gigantesco proyecto en la historia del cine de animación español que tomó por nombre ‘Planet 51’ (Jorge Blanco, 2009). 45 millones de euros -la cinta más cara en el cine español- y tan solo una única nominación a los Premios del Cine Europeo como ‘Mejor película de animación’. Las aspiraciones y sueños por llegar a Hollywood y situarse entre los grandes del cine de animación se esfumaron. Un año más tarde llegó ‘Chico y Rita‘ (Fernando Trueba y Javier Mariscal, 2010), que sí compitió por hacerse con una estatuilla dorada en los Premios de la Academia y logró reconocimiento internacional con un Premio FNAC al Mejor largometraje de animación en el Festival de Annecy y los Premios del Cine Europeo, ambos celebrados en 2011. Hasta que esta misma semana, ‘Klaus’ rompió todas las quinielas y barreras posibles para llegar aún más lejos con un presupuesto de 36 millones, 9 menos que la cinta de Blanco y 26 millones más que la de Trueba y Mariscal (10). Una cifra nada despreciable en todo caso.
Sergio Pablos confesó que sin Netflix ‘Klaus’ «no hubiera sido posible«. Sería tan solo un mero producto de su imaginación. Pero la saga de Gru, aclamada por pequeños y no tan pequeños, también lo fue y se hizo realidad, y en ese momento aún no irrumpió la plataforma digital para romper todos los esquemas y remodelar tanto la oferta televisiva como la industria cinematográfica. Queda por ver aún la acogida que tiene ‘Klaus’ por parte del jurado de los Óscars y si al final logra el primer galardón para una película de animación en toda la historia del cine español por delante de superproducciones como ‘Frozen II’, Toy Story 4′, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o la francesa ‘¿Dónde está mi cuerpo’?.
Si ese sueño se cumple este domingo, Netflix formará parte de él. Al igual que todos aquellos que amamos el cine español.
Narra una serie de reencuentros en la vida de Salvador Mallo, un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, y otros recordados, como su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia, en busca de prosperidad, así como el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine, y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. «Dolor y Gloria» habla de la creación, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de volver a escribir.
Premios
Mejor Película
Mejor Dirección: Pedro Almodóvar
Mejor Actor Protagonista: Antonio Banderas
Mejor Actriz de Reparto: Julieta Serrano
Mejor Guion Original: Pedro Almodóvar
Mejor Montaje: Teresa Font
Mejor Música Original: Alberto Iglesias
MIENTRAS DURE LA GUERRA
Ficha técnica
Título: Mientras dure la guerra
Año: 2019
País: España
Duración: 107 minutos
Director: Alejandro Amenábar
Guion: Alejandro Amenábar, Alejandro Hernández
Música: Alejandro Amenábar
Fotografía: Álex Catalán
Reparto: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Patricia López Arnaiz, Inma Cuevas, Nathalie Poza, Luis Bermejo, Mireia Rey, Tito Valverde, Luis Callejo, Luis Zahera, Carlos Serrano-Clark, Ainhoa Santamaría, Itziar Aizpuru, Pep Tosar
Productora: Mod Producciones / Movistar+ / Himenóptero / K&S Films
Distribuidora: Buena Vista International
Género: Drama. Guerra Civil Española. Años 30
Sinopsis
España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros provoca que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado en la zona nacional, Unamuno acude a su Palacio, decidido a hacerle una petición.
Premios
Mejor Dirección Artística: Juan Pedro de Gaspar
Mejor Actor de Reparto: Eduard Fernández
Mejor Dirección de Producción: Carla Pérez de Albéniz
Mejor Maquillaje y Peluquería: Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz
Mejor Diseño de Vestuario: Sonia Grande
LA TRINCHERA INFINITA
Ficha técnica
Título: La trinchera infinita
Año: 2019
Duración: 147 minutos
País: España
Director: Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga
Guion: Luiso Berdejo, José Mari Goenaga
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Javier Agirre Erauso
Reparto: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios, José María del Castillo, Carlos Bernardino, Adrián Fernández, Nacho Fortes, Marco Cáceres, Joaquín Gómez, Esperanza Guardado, Óscar Corrales, Enrique Asenjo, Estefanía Rueda
Productora: Coproducción España-Francia; La Claqueta PC / Manny Films / Irusoin / Moriarti Produkzioak
Género: Drama. Guerra Civil Española. Basado en hechos reales. Posguerra española. Años 30 – 40
Sinopsis
Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil, y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer, decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.
Premios
Mejor Sonido: Iñaki Díez, Alazne Ameztoy, Xanti Salvador, Nacho Royo-Villanova
Mejor Actriz Protagonista: Belén Cuesta
INTEMPERIE
Ficha técnica
Título: Intemperie
Año: 2019
País: España
Duración: 103 minutos
Director: Benito Zambrano
Guion: Pablo Remón, Daniel Remón, Benito Zambrano
Música: Mikel Salas
Fotografía: Pau Esteve Birba
Reparto: Luis Tosar, Luis Callejo, Jaime López, Vicente Romero, Manolo Caro, Kandido Uranga, Mona Martínez, Miguel Flor De Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso, Adriano Carvalho, Juanan Lumbreras, Carlos Cabra
Productora: Morena Films / Movistar+ / TVE / Áralan Films / Ukbar Filmes
Género: Drama. Thriller. Western. Posguerra española. Años 40. Amistad
Sinopsis
Un niño que ha escapado de su pueblo escucha los gritos de los hombres que le buscan. Lo que queda ante él es una llanura infinita y árida que deberá atravesar si quiere alejarse definitivamente del infierno del que huye. Ante el acecho de sus perseguidores al servicio del capataz del pueblo, sus pasos se cruzarán con los de un pastor que le ofrece protección y, a partir de ese momento, ya nada será igual para ninguno de los dos.
Premios
Mejor Canción Original: Javier Ruibal
Mejor Guion Adaptado: Benito Zambrano, Daniel Remón, Pablo Remón
Nadie espera a Amador cuando sale de la cárcel tras cumplir condena por haber provocado un incendio. Regresa a su casa, una aldea perdida de las montañas lucenses, donde volverá a convivir con su madre, Benedicta, su perra Luna y sus tres vacas. Sus vidas transcurren al ritmo sosegado de la naturaleza, hasta que todo cambia cuando un fuego violento arrasa la zona.
Premios
Mejor Actriz Revelación: Benedicta Sánchez
Mejor Dirección de Fotografía: Mauro Herce
QUIEN A HIERRO MATA
Ficha técnica
Título: Quien a hierro mata
Año: 2019
País: España
Duración: 107 minutos
Director: Paco Plaza
Guion: Juan Galiñanes, Jorge Guerricaechevarría
Música: Maika Makovski
Fotografía: Pablo Rosso
Reparto: Luis Tosar, Xan Cejudo, Enric Auquer, Ismael Martínez, María Vázquez, Dani Currás, Pablo Guisa Koestinger, Marcos Javier Fernández Eimil, María Luisa Mayol, Víctor Duplá, Alberto Abuín
Productora: Vaca Films / Atresmedia Cine / Film Constellation / Playtime Production
Género: Thriller. Drogas. Venganza
Sinopsis
En un pueblo de la costa gallega vive Mario, un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narcotraficante más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín, Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. Pero un fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario tiene sus propios planes.
Premios
Mejor Actor Revelación: Enric Auquer
EL HOYO
Ficha técnica
Título: El Hoyo (The Platform)
Año: 2019
País: España
Duración: 94 minutos
Director: Galder Gaztelu-Urrutia
Guion: David Desola, Pedro Rivero
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Ivan Massagué, Zorion Egileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Productora: Basque Films / Mr Miyagi Films / TVE / ETB / Consejería de Cultura del Gobierno Vasco / Zentropa Spain / Eusko Jaurlaritza / Instituto de Crédito Oficial / ICAA
El futuro, en una distopía. Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? ¿O de los que no tienen agallas cuando están abajo? Si lo descubres demasiado tarde, no saldrás vivo del hoyo.
Premios
Mejores Efectos Especiales: Mario Campoy e Iñaki Madariaga
NUESTRA VIDA COMO NIÑOS REFUGIADOS EN EUROPA
Ficha técnica
Título: Nuestra vida como niños refugiados en Europa
La historia de una generación de niños y jóvenes refugiados que intentan encontrar su lugar en Europa y de aquellos que nunca la encontraron. «Nuestra vida como niños refugiados en Europa» ofrece el testimonio contado en primera persona por niños y jóvenes de diferentes nacionalidades que viven en situación de permanente espera en Grecia y en Suecia. Son relatos de una generación que se ha visto obligada a abandonar sus casas y su infancia para encontrar un lugar seguro donde vivir y poder rehacer su vida en paz. Esta es la historia de quienes están pero también de quienes nunca llegaron.
Premios
Mejor Cortometraje Documental
MADRID 2120
Ficha técnica
Título: Madrid 2120
Año: 2019
País: España
Duración: 8 minutos
Directores: José Luis Quiroz, Paco Sáez
Guion: José Luis Quiroz, Paco Sáez
Música: Óscar Navarro
Fotografía: Animation
Productora: Lightbox Academy
Género: Animación. Ciencia ficción. Cortometraje
Sinopsis
Año 2120. Madrid. La vida en la gran ciudad se ha convertido en una lucha de clases. Arriba o abajo, esa es ahora la diferencia. Nitrogreen, un líquido altamente inestable capaz de generar Vegetación instantánea, es la mercancía de contrabando más valiosa. En un fallido reparto de contrabando del líquido y tras un tiroteo, un anónimo taxista se ve envuelto en la decisión más importante de su vida. Conformarse con una pequeña tajada o arriesgar su vida para conseguir lograr llegar a lo más alto de la ciudad.
Premios
Mejor Cortometraje de Animación
SUC DE SINDRIA
Ficha técnica
Título: Suc de sindria
Año: 2019
País: España
Duración: 22 minutos
Directora: Irene Moray
Guion: Irene Moray
Música: Nico Roig
Fotografía: Irene Moray
Reparto: Elena Martin, Max Grosse, Irene Contreras, Bárbara Mestanza, Pol Nubiala, Sergi Vilà
Productora: Distinto Films
Género: Drama. Cortometraje
Sinopsis
Bárbara (Elena Martin) y Pol (Max Grosse) pasan unos días de vacaciones con un grupo de amigos en una casa rodeada de naturaleza. Quieren pasar un buen rato y encontrar un espacio tranquilo donde puedan disfrutar de su intimidad. Con el apoyo de Pol, en medio de la naturaleza, entre lágrimas y risas, Bárbara curará viejas heridas y redefinirá su sexualidad.
Premios
Mejor Cortometraje de Ficción
BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS
Ficha técnica
Título: Buñuel en el laberinto de las tortugas
Año: 2019
País: España
Duración: 86 minutos
Director: Salvador Simó
Guion: Eligio R. Montero, Salvador Simó Busom
Música: Arturo Cardelús
Productora: Sygnatia / The Glow / Submarine
Género: Animación. Cómic. Cine dentro del cine. Años 30
Sinopsis
París, 1930. Salvador Dalí y Luis Buñuel son las principales figuras del movimiento surrealista, pero Buñuel ve cómo se le cierran todas las puertas después del escandaloso estreno de «La edad de oro», su primera película. Sin embargo, su buen amigo, el escultor Ramón Acín, compra un billete de lotería con la loca promesa de que, si gana, pagará el documental que su amigo quiere rodar sobre Las Hurdes, una de las regiones más pobres y olvidadas de España… Película sobre el rodaje en la región extremeña de Las Hurdes, a cargo del maestro Luis Buñuel, de su película «Las Hurdes, tierra sin pan», en 1933. Adapta el cómic homónimo de Fermín Solís.
Premios
Mejor Película de Animación
ARA MALIKIAN: UNA VIDA ENTRE LAS CUERDAS
Ficha técnica
Título: Ara Malikian: Una vida entre las cuerdas
Año: 2019
País: España
Duración: 89 minutos
Directora: Nata Moreno
Guion: Nata Moreno
Música: Ara Malikian
Reparto: Ara Malikian
Productora: Kokoro Films / Caribe Estudio / Bausan Films
Género: Documental biográfico y sobre música
Sinopsis
Documental sobre el polifacético violinista Ara Malikian. Un recorrido por su vida y su incuestionable aportación a la música clásica y contemporánea. Sigue a Ara Malikian y a todo su equipo durante su última Gira Sinfónica por España y países como Líbano, Francia, Inglaterra, China, Rusia, Marruecos, Argentina, Uruguay, Alemania… Al mismo tiempo, narra su fascinante historia personal: la música le salvó la vida al tener que huir de la guerra; abandonó Beirut con 14 años y desde entonces ha vivido como un nómada llevando su música por el mundo.
Premios
Mejor Documental
LA ODISEA DE LOS GILES
Ficha técnica
Título: La Odisea de los Giles
Año: 2019
País: Argentina
Duración: 116 minutos
Director: Sebastián Borensztein
Guion: Sebastián Borensztein, Eduardo Sacheri
Música: Federico Jusid
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso, Rita Cortese, Andrés Parra, Marco Antonio Caponi, Ailín Zaninovich, Alejandro Gigena, Guillermo Jacubowicz, Luciano Cazaux
Productora: Coproducción Argentina-España; K&S Films / Mod Producciones / Kenya Films
Provincia de Buenos Aires, fines del 2001. Un grupo de amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una vieja cooperativa agrícola. Al poco tiempo, descubren que sus ahorros se perdieron por una estafa realizada por un inescrupuloso abogado y un gerente de banco que contaban con información de lo que se iba a desencadenar en el país. Al enterarse de lo sucedido, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece.
Premios
Mejor Película Iberoamericana
LA HIJA DE UN LADRÓN
Ficha técnica
Título: La hija de un ladrón
Año: 2019
País: España
Duración: 102 minutos
Director: Belén Funes
Guion: Belén Funes, Marcal Cebrián
Fotografía: Neus Ollé
Reparto: Greta Fernández, Eduard Fernández, Àlex Monner, Frank Feys
Sara ha estado sola toda su vida. Tiene 22 años y un bebé, su deseo es formar una familia junto a su hermano pequeño y el padre de su hijo. Su padre, Manuel, tras años de ausencia y al salir de la cárcel, decide reaparecer en sus vidas. Sara sabe que él es el principal obstáculo en sus planes y toma una decisión difícil: alejarlo de ella y de su hermano.
Reparto: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga, Jeanne Balibar, Steve Tientcheu, Issa Perica, Al-Hassan Ly, Almamy Kanoute, Nizar Ben Fatma, Raymond Lopez, Luciano López, Jaihson Lopez, Sana Joachaim, Lucas Omiri, Rocco Lopez, Zordon Cauret, Steve Cauret, Omar Soumare, Abdelkader Hoggui
Productora: Lily Films / Rectangle Productions / Srab Films / Canal+ / Le Pacte / Ciné+ / Wild Bunch
Género: Thriller. Drama policíaco
Sinopsis
Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio.
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Andrew Scott, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures
Distribuidora: Universal Pictures
Género: Cine bélico. Drama. Primera Guerra Mundial
SINOPSIS
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
CRÍTICA
La épica es un elemento muy valioso en el cine bélico. La mayoría de las películas basadas en grandes batallas de la Primera y la Segunda Guerra Mundial están armadas de este indispensable componente, mezclado con un aroma emocional e histórico que les sirve de gran ayuda para recrear grandes efemérides y momentos históricos de las diversas contiendas que se libraron en dichas guerras. Y cuyos resultados son encomiables.
‘Salvar al soldado Ryan‘ (Steven Spielberg, 1998), ‘War Horse‘ (Steven Spielberg, 2011), ‘Senderos de gloria‘ (Stanley Kubrick, 1957), ‘Pearl Harbour‘ (Michael Bay, 2001), ‘Corazones de acero‘ (David Ayer, 2014) o ‘Lawrence de Arabia‘ (David Lean, 1963), son buenos ejemplos de películas en las que el elemento épico está muy presente a lo largo de la cinta. Incluso en películas ambientadas en contextos bélicos distintos a las dos grandes guerras mundiales, pero de una relevancia destacada como la Guerra de Vietnam (1955-1975) o la intervención estadounidense en la Somalia consumida por la guerra civil de 1996 y la dictadura de Mohammed Farrah Aidid. En estos escenarios encontramos la firma de grandes directores como Francis Ford Coppola con ‘Apocalypse Now‘ (1979) o de Ridley Scott con ‘Black Hawk derribado‘ (2001).
Toda esta extensa lista de películas bélicas comparten un propósito común más allá de la épica, que es el de narrar un hecho histórico desde una perspectiva pedagógica. Un relato desgarrador y heroico que muestra al espectador un hecho concreto de algunos de los conflictos que hemos señalado anteriormente. Desde el ataque japonés a la base naval norteamericana de Pearl Harbour (1941), pasando por la batalla de Normandía (1944), hasta el ataque con napalm a los norvietnamitas -y la población civil- en la Guerra de Vietnam, todas estos largometrajes tratan de recrear de una forma educativa y visceral, cada una de las contiendas, o sucesos dramáticos, más destacados de estos conflictos. Todo ello a través de la mirada de uno o varios protagonistas de la película que son testigos directos de dichas efemérides.
Por tanto, es evidente que para que una buena película bélica funcione debe contar irremediablemente con esta serie de elementos que persuadan al espectador. No obstante, los tiempos cambian y, al igual que ocurre con las películas de acción y superhéroes, éstas deben renovarse o morir para seguir siendo atractivas. Actualizarse.
Una cuestión que no se reduce simplemente a disparar el presupuesto de la película, descontrolarse con los efectos digitales, contratar a grandes estrellas o cambiar de escenario, ya que, tal y como ocurre en ‘1917‘, puedes seguir recurriendo a pasajes incombustibles de la historia como la Primera o Segunda Guerra Mundial para construir tu historia, pero desde una perspectiva distinta a la que estamos acostumbrados. Ofrecerle al espectador nuevas experiencias que no solo le permitan disfrutar de la película, sino sentirse parte de ella durante toda la proyección.
Y eso lo consigue Sam Mendes (Skyfall, 2012) a la perfección. Basándose en una historia personal que le contó su abuelo que tuvo lugar durante la Primera Guerra Mundial, Mendes construye un fascinante relato sin recurrir a tramas complejas ni abstractas, pero tampoco sin renunciar a la épica. Tan solo le basta la sencillez de la misión encomendada por un general hacia dos cabos británicos para clavar durante 2 horas al espectador en su asiento totalmente pendiente de la historia. La genialidad radica en la sencillez.
Nos equivocaríamos si pensamos que la estrella de la película es el plano secuencia, porque sería un análisis simple y erróneo. El propio Mendes confiesa que la película está montada mediante largas secuencias pero ésta no es un plano secuencia en sí mismo, ya que se pueden apreciar claramente los cortes en varios momentos de la cinta. Ni siquiera una de las películas referentes en reflejar la técnica del plano secuencia, ‘La Soga‘ (Alfred Hitchcock, 1948) se cristalizó en un solo plano secuencia como quería el aclamado director británico, ya que cada rollo de película por aquel entonces daba para unos diez minutos. Así que, para disimular esos cortes, Hitchcock partió en varias ocasiones de la espalda de un personaje al que se había acercado para finalizar una escena para volver a retormarla justo en ese mismo plano. Este pequeño descubrimiento, no obstante, no despoja a la cinta de Hitchcok del pódium de las películas maestras en esta técnica junto con la secuencia inicial de ‘Sed de mal‘ (Orson Welles, 1958).
‘1917’ ha sido de las últimas en sumarse a esta categoría de películas en las que la principal función de este tipo de planos es sumergir al espectador en el relato que se está narrando. Y eso es algo que Mendes ha querido transmitir desde el primer momento en el que se puso al frente del proyecto.
Al contrario de otras películas bélicas como las que hemos expuesto anteriormente, en ésta el espectador siente que forma parte de un viaje en el que acompaña a los protagonistas en una asombrosa y peligrosa aventura. La magia de las incontables y largas tomas que se ofrecen en la película es invitar al público a que sea partícipe de la historia a través de sus propios ojos, como si fuera un reportero de guerra que recoge todos y cada uno de los elementos que se encuentra a lo largo de su viaje: diálogos, encuentros inesperados, momentos dramáticos, situaciones cotidianas… Hacer del plano secuencia el plano subjetivo del espectador.
No obstante, aunque el espectador siga durante todo el largometraje a los dos jóvenes protagonistas, no se centra exclusivamente en ellos. Es decir, la cámara, actuando como si de un tercer sujeto se tratase, se fija y enfoca todos y cada uno de los aspectos que componen la película para ofrecerle al espectador más información acerca del lugar o la situación en la que se encuentran los personajes. Aunque estos sean nimios, como una casa semiderruida, un campamento, una trinchera o un prado lleno de vacas. Todo ello sin valerse de elementos que puedan hacer ruido y distraer la atención del espectador.
Hablamos, también, de sobrecargar las escenas con bombardeos, disparos constantes, batallas encarnizadas y gores inundadas de muertos para darle más realismo y crudeza a la historia o el diluvio que muchas veces hace acto de presencia. La guerra no es solamente eso. El silencio, la amargura, el miedo, las miradas vacías de los desamparados, un cielo plomizo sobre un campo arrasado por los combates, las ruinas de una ciudad devastada… todos estos elementos también forman parte de la guerra, y pueden llegar a ser igual o más cruentos que los que hemos mencionado anteriormente.
Un aspecto destacable y simbólico de la película es que la narración también está presente mediante la luz y el paisaje. Desde la escena inicial donde reina la calma en un prado verde, pasando por las trincheras, el desolado y sombrío terreno lleno de socavones en el que ha tenido lugar una batalla, los oscuros y terroríficos búnkers alemanes, hasta el descanso final en un paisaje similar al inicial. Un mensaje que pretende transmitir al espectador la idea de que se ha logrado la victoria, que tanto esfuerzo y sacrificio ha valido la pena y han cumplido su propósito, como si hubieran ganado la guerra o una batalla muy importante.
Aparte de esta hermosa narración, el genial uso de la luz en ‘1917’ nos permite percibir también el enigma que encierran algunas escenas -sobre todo cuando tienen lugar en la oscuridad- o cómo éstas están dotadas de secretismo, discreción o miedo gracias al efecto que consigue este componente al iluminar, por ejemplo, los rostros de algunos personajes en búnkers y habitaciones a oscuras.
El culpable de este magnífico trabajo tiene por nombre Roger Deakins, un fotógrafo veterano con una trayectoria envidiable en el mundo del cine como fotógrafo. Alcanzó el Óscar gracias a su labor fotográfica en ‘Blade Runner 2049‘ (Denis Villeneuve, 2017), y puede volver a alzarse con el premio de nuevo en la próxima gala de los Premios de la Academia, que tendrá lugar en la madrugada del 9 al 10 de febrero y en la que ‘1917’ tiene 10 nominaciones entre las que se encuentra, entre otras categorías, la de ‘Mejor película, director y fotografía’. Competirá junto con otras grandes producciones como ‘El irlandés‘ (Martin Scorcese, 2019), ‘Érase una vez…en Hollywood‘ (Quentin Tarantino, 2019), y con la inesperada, y a la vez aclamada, ‘Joker‘ (Todd Philips, 2019), la cual opta a nada menos que a 11 estatuillas doradas.
Aún quedan 3 semanas para saber con cuántos Óscars y en qué categorías triunfará ‘1917’ en la fiesta más popular del séptimo arte. De momento, la última película de Mendes ya cuenta con 2 Globos de Oro y la admiración del mundo de la crítica. Una hazaña prodigiosa en un año repleto de grandes eventos cinematográficos.
Reparto: Benedict Cumberbatch, Rory Kinnear, John Heffernan, Liz White, Kyle Soller, Lee Boardman, Oliver Maltman, Jay Simpson, Mary Antony, Michael Burhan
Género: Drama. Política. Intriga. Basada en hechos reales.
Producción: Channel 4 / House Productions
Distribuidora: HBO
Duración: 92 minutos
SINOPSIS
Film que desentraña la anatomía del histórico referéndum del Brexit, que culminó en la decisión del Reino Unido de abandonar la Unión Europea. Un retrato detrás de las cámaras sobre la campaña política y sobre las tácticas utilizadas para reconducir la opinión de todo un país.
CRÍTICA
El laberinto en el cine es sinónimo de trampa, angustia y miedo. Películas como ‘El resplandor‘ (Stanley Kubrick, 1980) o ‘El laberinto del fauno‘ (Guillermo del Toro, 2006) dan buena muestra de ello. En la política, sin embargo, éste obtiene un cariz mucho más mareante y fatigoso en el que se contempla de todo menos una salida a este endemoniado camino. Mucho más con un proceso como el Brexit, en el cual, este laberinto toma la forma en diversas ocasiones de una interminable pesadilla de la que la sociedad británica no puede escapar ni despertarse, al igual que Bill Murray en ‘Atrapado en el tiempo‘ (Harold Ramis, 1993).
En ‘Brexit: The Uncivil War‘, el director Toby Haynes nos ofrece un relato verosímil, necesario y sorprendente acerca de quiénes y de qué manera introdujeron al Reino Unido en el peor de los laberintos. Un tortuoso camino del que aún no han salido, y que se ha convertido en la mayor crisis política del país en los últimos años.
Toby Haynes, reconocido director británico por su trabajo en series como ‘Doctor Who‘, ‘Sherlock‘ o ‘Black Mirror‘ -en la que dirigió el capítulo USS Callister (2017)-, vuelve a dejar su propio estilo cinematográfico en esta detallada y sorprendente radiografía que desentraña todo lo relacionado acerca de cómo se fraguó uno de los fenómenos políticos más impactantes de los últimos años.
Para ello, acude a la hemeroteca para mostrarle al espectador de manera cronológica un breve repaso histórico de las difíciles y tirantes relaciones que han mantenido el Reino Unido y la Unión Europea desde el nacimiento de la comunidad para contextualizar y demostrarle que el fenómeno del Brexit y las reticencias hacia la Unión Europea por parte de los británicos vienen de lejos.
Siguiendo el mismo patrón dramático, intenso y fatídico que componen el alma de ‘Black Mirror’, Haynes reconstruye una fascinante historia respetando cuidadosamente cada detalle de la historia original en la que nos advierte del peligro real de experimentar con asuntos que se nos pueden ir de las manos. Engendrar y alimentar feroces monstruos para conseguir determinados fines. Lo cual puede ser útil a corto plazo, pero que una vez suelta, la bestia es indomable, y sus tentáculos se extienden por todo el barco llevándolo a la deriva, destruyendo y devorando todo aquello que se encuentra a su paso de una manera insaciable y sin importar las consecuencias.
Un mensaje que intensifica y logra mediante el uso de elementos comunes que caracterizan su trabajo como la fuerza e intensidad de las conversaciones entre los personajes, de las distintas y múltiples expresiones de cada uno de éstos, sus contradicciones, miedos o la complejidad mental que los envuelve en ciertos momentos, sirviéndose para ello de primeros planos que retrata a la perfección el estado anímico del personaje. A todo esto hay que añadir la imponente e histriónica música de Daniel Pemberton -quién ya trabajó junto con Haynes en USS Callister-, cuya melodía alcanza un grado de armonía y compenetración excelente con el relato y el resto de componentes de la película.
Sin lugar a dudas, el enigmático personaje que encarna el inigualable Benedict Cumberbatch contiene todos y cada uno de esos componentes que hemos enumerado anteriormente. Aun sin ni siquiera haber oído jamás acerca del maquiavélico estratega Dominic Cummings, antiguo asesor del secretario de Educación Michael Gove durante el Gobierno de David Cameron, la soberbia interpretación que realiza Cumberbatch del hombre que dirigió en las sombras todo el proceso para la salida fructífera del Reino Unido de la comunidad europea es digna de alabanza.
Rostro inexpresivo, impenetrable, frío, calculador, enigmático, lúcido, arrogante…Se nos agotarían los adjetivos para describir la naturaleza del personaje que interpreta Cumberbatch, cuyas características y aptitudes se asemejan notablemente a las del también estratega Steve Bannon, exasesor del presidente norteamericano Donald Trump durante su carrera a la Casa Blanca en 2016, y que ha simpatizado y apoyado a movimientos y partidos populistas en Europa, entre ellos el Brexit. Por otro lado, es conveniente resaltar la efectiva habilidad de su mirada, atreviéndose a traspasar la pantalla y dirigirse directamente al público en ciertas ocasiones
Este arquetipo de personaje, interesante y de una gran complejidad, no supone ninguna novedad en la filmografía de Cumberbatch. En la película ‘Descifrando enigma‘ (Morten Tyldum, 2014), su talentosa y magistral interpretación del estrafalario científico británico Alan Turning le valió su primera y única nominación al Óscar -que no ganó-, y tanto en éste como en el personaje de Cummings podemos encontrar rasgos y similitudes que comparten ambos personajes: Incomprensión por parte de la sociedad, ensimismamiento, falta de empatía, ambición, genialidad e inteligencia.
Estas dos películas, ‘Descifrando enigma’ y ‘Brexit’, han resultado un gran acierto no solo para dar rienda suelta a las incuestionables dotes actorales del actor londinense, sino también por explotar al máximo su conexión con Rory Kinnear, reputado actor londinense con una amplia y exitosa trayectoria en los escenarios, y que en los últimos años le hemos podido ver en series como ‘Black Mirror’ –The National Anthem, Otto Bathurst. 2011-, ‘Years and years‘ (Simon Cellan Jones y Lisa Mulcahy. 2019) o ‘Catalina la Grande‘ (Philip Martin, 2019). En las dos únicas ocasiones en las que Cumberbatch y Kinnear han coincidido juntos en la gran pantalla, se ha comprobado la buena compatibilidad y sintonía que demuestran estos dos actores londinenses a la hora de interpretar personajes muy distintos a la par que interesantes y que, a la hora de compartir escena, la química y atracción que denotan ambos es magnética en todo momento.
Teniendo en cuenta todos los acontecimientos que se fueron sucediendo en el Reino Unido desde el momento en el que se inicia la campaña hasta el día de la votación del referéndum de salida del Reino Unido de la Unión Europea, la película se convierte en la mejor fotografía que muestra la evolución en el pensamiento de la sociedad británica y su temperamento durante todo el proceso. Así como expone y explica claramente cómo aquellos responsables de dirigir la campaña del Brexit utilizaron todo tipo de métodos y prácticas de dudosa legalidad –manipulación, uso de datos personales, sesgo informativo– sin ningún escrúpulo con el único pretexto de cambiar el sentido del voto y ganar adeptos a la causa.
Un elemento llamativo de la cinta es la satirización y ridiculización que hace Haynes de la política británica. Retratados como personajes insignificantes, humillados y sobrepasados por una situación que se les ha ido de las manos. Una crítica abierta que va dirigida, sobre todo, al partido gobernante: el Conservador, al cual señala como el principal y gran perjudicado del referéndum que impulsó. Así como por la mala gestión en la campaña por la permanencia del Reino Unido en la comunidad europea, cuya situación les supera y estresa al mismo tiempo, generando tensiones y disputas internas en un partido que no sabe qué dirección tomar. Una situación de incapacidad e impotencia que Haynes transmite también de una forma inteligente y gráfica al espectador en una escena cotidiana de cierto personaje en la película, y que emplea como un sutil argumento para comunicarle al espectador: «Si no es capaz de controlar su propia vida, mucho menos va a ser capaz de dirigir y gestionar un asunto de tal envergadura como lo es el Brexit».
Aún es pronto para saber si el Brexit se convertirá a largo plazo en el mayor error cometido por Reino Unido en mucho tiempo. Por el momento, los problemas no han terminado para el país que rige Isabel II, cuyo futuro se prevé más oscuro y polarizado que en el telefilm producido por Channel 4. Sobre todo tras la vuelta de Cummings a la escena política para rematar el trabajo que empezó hace tres años y sacar por las bravas al Reino Unido de la Unión Europea.
Reparto: Luis Buñuel, Salvador Dalí, Pierre Batcheff, Simone Bareuil
Música: Richard Wagner, tangos argentinos
Duración: 21 minutos
Género: Drama, surrealismo
SINOPSIS
Filme surrealista, todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.
CRÍTICA
Quizá sea por mi juventud, porque es una película -más bien, cortometraje- de finales de los años 20, porque no entiendo el cine de aquellos tiempos y me resulta extremadamente difícil poder sacar una conclusión clara acerca de él, o puede que sea todo esto a la vez. Quizás me falte más visión cinematográfica y mucho más recorrido en este arte.
Estas y otras excusas me rondaban por la cabeza una vez que ‘Un Perro Andaluz‘ acabó su función con un fundido a negro tras tan solo 21 minutos de duración. Aunque, a decir verdad, los primeros minutos de la cinta dejan descolocado a cualquier espectador por su abstracto guion carente de sentido alguno. Me sentí incapaz de encontrar una pizca de racionalidad a una cinta que, en cierto modo, posee un extraño atractivo.
Aún con la miel en los labios por saber qué descabellada idea o intención se escondía tras este cortometraje, decidí ojear críticas de éste en páginas webs y portales cinéfilos con mayor experiencia y conocimientos de cine que un servidor para que pudieran arrojar algo de luz en mis ideas ante el desconcierto que abrumaba mi mente tras ver la cinta.
El resultado es que no hay explicación alguna. La película es un absurdo en sí misma. Retazos de sueños de Buñuel y Dalí hilvanados los unos con los otros con la simple idea de que no hubiera ningún tipo de conexión entre ellas, y que el propio director reconoció en una entrevista. «La regla (para filmar la película) fue negar cualquier imagen que tuviera una explicación racional o de recuerdo relacionado a una cultura. Eso significaba que cualquier imagen que apareciera ante nosotros (Luis Buñuel y Salvador Dalí) y que fuera impresionante, era aceptada sin discusión».
Estas declaraciones de Buñuel refuerzan aún más las impresiones que me ocasionó el cortometraje. Y no es para menos.
Junto con la sucesión de inexplicables secuencias que configuran la disparatada obra de Buñuel y Dalí, se unen una serie de detalles acerca del cortometraje, como que la madre de Buñuel contribuyó a la producción del proyecto de su hijo aportando 25.000 pesetas (0´15 euros), que el propio Buñuel tuviera que armarse con piedras detrás del escenario en el día de su estreno, temeroso de la reacción que pudiera tomar el público con la cinta -entre los que se encontraban el pintor malagueño Pablo Picasso y el cineasta francés Jean Cocteau-, una anécdota nada alejada de la crítica por aquel entonces, pues Luis Buñuel admitió que la violencia se encuentra expuesta implícitamente en el cortometraje y que éste no era más que un «simple llamamiento al asesinato».
Como si de un macabro chiste se tratara, ‘Un Perro Andaluz’ desató las críticas más furibundas, y con su irracional argumento levantó ampollas a más de uno. ¿Os suena de algo? Exacto. La misma sociedad con la misma piel fina y sensible de siempre. La policía del arte que decide qué es lo correcto y qué es censurable.
Puede que ahí es donde reside el verdadero sentido de este cortometraje: la libertad. En toda su plenitud. Y la vital importancia de cuidarla día tras día frente a aquellos movimientos que pretenden cercenarla, ya sea en el cine o en cualquier ámbito de la vida. Un mensaje esperanzador para los tiempos que corren.
Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Mark Hammill, Kelly Marie Tran, Joonas Suotamo
Música: John Williams
Fotografía: Daniel Mindel
Productora: Lucasfilm/ Walt Disney Pictures
SINOPSIS
Un año después de los eventos de «Los últimos Jedi», los restos de la Resistencia se enfrentarán una vez más a la Primera Orden, involucrando conflictos del pasado y del presente. Mientras tanto, el antiguo conflicto entre los Jedi y los Sith llegará a su clímax, lo que llevará a la saga de los Skywalker a un final definitivo. Final de la trilogía iniciada con «El despertar de la Fuerza».
CRÍTICA
No hay frase mejor que defina todo lo que significa la saga de ‘Las guerras de las galaxias‘ que la que lleva por título esta crítica. La película en sí es un regalo para todos aquellos amantes de esta saga de aventuras espaciales protagonizadas por Mark Hammill, Harrison Ford y Carrie Fisher en la primera trilogía dirigida y creada por George Lucas a finales de los 70´s con ‘Una Nueva Esperanza‘ (1977).
Ya sea por su ritmo vibrante y vertiginoso -que no decae en ningún momento-, como por la aparición de ciertos personajes y los mensajes que se van transmitiendo a lo largo de la película, ‘El ascenso de Skywalker‘ es una página que concluye de una forma dulce y simbólica una formidable historia que nos invita a soñar a todos y cada uno de nosotros. Una hermosa y épica canción de despedida de una saga que ha reclutado a millones de jedis en todo el mundo.
J.J. Abrams (‘Super ocho‘, 2011), director de la cinta y de el capítulo VII: ‘El despertar de la fuerza‘ (2015) -la película que inició la nueva trilogía-, conocía perfectamente esas emociones e ilusiones que generaba Star Wars, y así lo aclaró en una entrevista con ‘El País‘ semanas antes del estreno de ‘El ascenso de Skywalker’. «Lo que hace Star Wars tan poderosa es algo que está en la idea del bien contra el mal, la idea de una persona corriente que es clave para echar abajo algo que parece insuperable, la lucha contra la opresión y por la libertad, la amistad, las familias sobrevenidas que se forman inesperadamente, la comedia…El corazón de la historia».
Abrams supo desde el primer momento que cogió las riendas del nuevo proyecto que no iba a resultar tarea fácil darle continuidad a una saga sin desprestigiar la idea original con la que nació el proyecto. Ni tampoco de toda su legión de fans, los cuales, entre las dudas y la inquietud generadas por ‘El despertar de la fuerza’, pueden sentirse bastante satisfechos con el resultado de esta última cinta.
Primero por el plano emotivo y la nostalgia recurrente. Al igual que ocurriera en el episodio VII, dónde cada escena y detalle se podía vincular a ciertos elementos de ‘Una Nueva Esperanza’, -a veces de manera forzada como la réplica mejorada de la Estrella de la Muerte-, ‘El ascenso de Skywalker’ se convierte en el mejor vehículo de Abrams para transmitir todos y cada uno de esos recuerdos imborrables que han formado parte de muchas generaciones durante 42 años, creando un paisaje perfecto de añoranza, luz, aventuras y diversión que pervive en el espectador hasta el final de la película.
Segundo por el riesgo que asume. Teniendo en cuenta que el espectador sabe desde el principio que la saga de ‘La guerra de las galaxias’ terminará con esta película, y que probablemente lo haga de una manera favorable a La Resistencia venciendo de una manera épica a la temible Primera Orden, la película necesitaba un enfoque distinto sin alterar demasiado la parte troncal de la trama. Arriesgarse a desarrollar e incluir aspectos nuevos en la cinta con el fin de que no se convierta en un cutre plagio de ‘El retorno de el Jedi‘ (1983) con un espectáculo ilimitado de efectos especiales. Esta innovación puede contener, no obstante, un cierto riesgo de caer en la trampa de que cualquier tiempo pasado fue mejor , y recurrir a apariciones y cameos forzados que no aportan nada a la trama más allá del mero hecho de resucitar a antiguos personajes de la historia que desfilan por el filme como si de viejas leyendas del rock se tratasen.
Por otro lado, hay que destacar la sabia elección del reparto. La química que muestran en todo momento Daisy Ridley (Rey) y Adam Driver (Kylo Ren) es magnífica y eléctrica en todo momento. Chewbacca -quien lo interpreta Joonas Suotamo, quien sustituye al mítico Peter Mayhew, fallecido el pasado mes de abril- sabe lo que mejor sabe hacer. El personaje de Poe Dameron (Oscar Isaac) es sin lugar a dudas un gran acierto que anima y revive con bastante éxito aquel piloto espacial, intrépido, experto en las naves y luchas espaciales y con cierto aire de sorna en su discurso que recuerda de una manera especial, y algo grotesca, con el carácter que poseía el carismático Han Solo (Harrison Ford). No obstante, el personaje de Isaac se queda a años luz del contrabandista galáctico que personificó Harrison Ford para la posteridad de la saga. Un análisis similar con este personaje lo encontramos en el Kylo Ren de Driver, cuyos vagos intentos de emular al Darth Vader de David Prowse -con la cavernosa e inconfundible voz de James Earl Jones– no terminan de cuajar, y es un craso error que comete en ciertas ocasiones la dirección.
Tal y como hemos comentado al principio, este último episodio de la nueva trilogía de Star Wars es una carta de despedida, con un gran componente emocional y melancólico, dedicada a todos aquellos que han seguido su historia desde el momento en el que la fuerza era tan solo un simple concepto de un desconocido y ambicioso director que logró escasos apoyos para poder hacerla realidad. No obstante, uno de los elementos más sorprendentes y emotivos con los que cuenta esta cinta, es la poderosa unión que ha generado la irreemplazable Carrie Fisher (princesa Leia Organa) -fallecida en diciembre de 2016-, en todo el universo de ‘Star Wars’
Una gran parte de la atención, y de la historia de Star Wars, se concentra en su figura y en todo lo que representa para el universo, y es por ese motivo que la película se convierta -inevitablemente- en un solemne acto de duelo, recuerdos y agradecimiento que une a públicos de todas las edades. Poco o nada importa si algún despistado no tiene constancia de la grandeza de Leia ni del vacío que dejó su muerte. Al fin y al cabo, su legado, al igual que el infinito universo de ‘La guerra de las galaxias’, será eternamente recordado.
Carrete Infinito 